DAMIEN HIRST EN EL MUSEO JUMEX 2024.

 

 DAMIEN HIRST INMACULADO O LOS JUGUETES DE EUGENIO.

Jef Koons y Damien Hirst son las dos joyas de la corona del arte anglosajón en el periodo 1980s al 2010s. Preguntan si la obra de Demian Hirst es arte. La respuesta es sí.  Pero no por el sentido formal (estructura del objeto) de las obras sino por sus efectos socio-estéticos. No olvidemos que los conceptos de arte se han transformado en el siglo XX.    Además, no olvidemos que la distribución de la obra de estos artistas tiene la plataforma de despegue de los centros mundiales de poder institucional y facticos por lo cual afectan, a manera de adoctrinamiento, la manera de valorar esos objetos en millones de personas.   En la medida en que esas obras alcanzan un alto nivel de influencia en las elites y publico de a pie de muchos países pasa al terreno de la geopolítica cultural. Los productos artísticos cuando tiene altos niveles de inversión económica e impacto social pasan al área política. Esto lo convierte en objeto de observación.  

A continuación, presento ocho comentarios acerca de la exposición: “Damien Hirst. Vivir para siempre (por un momento)”. (1)  La cual se presenta en el Museo Jumex de la Ciudad de México y considero importante compartir con ustedes.

1.- La faceta creativa de Damien Hirst comprende    22 años de 1988 hasta 2010 en una carrera de ascenso vertiginoso asociado con Charles Saatchi un poderoso comerciante de arte que se mueve en el potente mercado del arte británico y estadounidense.  Después del 2010 Hirst repite la fórmula de producción por motivos de mercado. (2)    Lo suyo es un arte y una estética que tiene 15 años de haber concluido y 38 años de haber iniciado.    La producción de un artista esta acotada por fecha de nacimiento de su primera obra, desarrollo y límite de inventiva.    En términos de arte contemporáneo la idea de artista emergente, carrera media y consolidado es una métrica de origen británico para clasificar a los artistas al momento de dar becas, de participar en concursos, poner precio a la obra y llevar el recuento de su producción o carrera creativa. De acuerdo a esto la artista una vez alcanzada la categoría de consolidado ya no importa si se agota o no su ingenio. En este nivel, el artista sólo le restaría dedicarse a administrar la aceptación de su obra por las elites con poder de compra y el respetable público interesado en el arte. Además, para colocarla en museos y colecciones. Esto es lo que está ocurriendo con Hirst después de todo ya no se podría cuestionar su estatus de artista consolidado en lo institucional.  Esta dinámica implica que una vez cerrado este ciclo de artistas consolidados también cierra su tiempo generacional. Y entonces, las instituciones podrán enfocar la atención a los nuevos valores con sus planteamientos artísticos de actualidad. Este concepto de vigencia lo tenía muy presente el crítico de arte Juan Acha cuando hablaba del dibujante José Luis Cuevas pues sostenía que su obra era una estética generada en 1960s y repetía su estilo de dibujo 20 años después en los 1980s. Y al mismo tiempo Acha hacia una llamada de atención a los críticos de arte que veían la obra de Cuevas como algo fresco sin que él presentara ninguna otra propuesta distinta.  Una artista en caso de no conseguir la consolidación puede ser toda tu carrera artista emergente, o carrera media, aunque tenga 85 años, significará que se quedó en una u otra categoría. Como ocurre con la mayoría de los artistas, pero esto no significa que su trabajo no tenga propuesta que contribuya con cultural del país. Muchas veces, significa que no empata con las modas ideológicas dominantes promovidas por intereses globales.

2.-Es interesante saber el momento socio-político y cultural en que surge una producción de arte para comprender el contexto, simbología y características ocultas de la obra.  Damien Hirst comenzó y desarrolló su obra en la turbulencia de distintos acontecimientos como, por ejemplo:  Finales de las presidencias neoliberales de   Margaret Thatcher (presidencia 1970-1990) y Ronald Reagan (presidente 1981-1989).  La caída de la unión soviética 1991.  Los años dorados de la hegemonía unipolar de EU (1991-2007).  Inicio de expansión de la OTAN 1999 en los países del Este de Europa.  La conformación y expansión de   la Unión Europea 1993-2009.  Establecimiento del Neoliberalismo con el Consenso de Washington y el libre mercado que significó apertura de los mercados nacionales (venta de empresas estatales por parte de potencias medias y países en vías de desarrollo).   El dominio absoluto de las instituciones globales como, FMI, BM, OCM, Fundación Rockefeller, Fondos BlackRocks, etc.  Las reuniones de líderes mundiales en Davos en busca de proyectos globalistas. La fortaleza de los Organismos no gubernamentales subsidiados por gobiernos extrajeras. Fortalecimiento de los centros de poder cultural mundial tras la derrota de la Unión Soviética. Entre otros.   

 Este fue el panorama en que germinaron los Young British Artists   (YBA, muchachos que exhibieron juntos en Londres 1988.)  a los cuales perteneció   Damien Hirst. Estos artistas se consolidan con el fin de la Guerra Fría y el triunfo absoluto de las democracias liberales anglosajonas de 1991 a 2007.

3.-Actualmente la configuración geopolítica ha tenido cambios desde el 2010 al 2024 y han surgido nuevos actores como China, India y el regreso de Rusia para disputarse zonas de influencia económica, política y cultural.  Respecto a México con el TLCAN (Tratado de Libre Comercio de América del Norte) 1994 quebraron muchas empresas mexicanas al no poder competir en una relación asimétrica contra las empresas trasnacionales y sus grandes fondos de inversión.   No es extraño que la fábrica de Jugos Jumex después de sobrevivir con éxito a la muerte de muchas empresas que implicó la firma del TLCAN, difunda valores, estéticas y conceptos dominantes de la geopolítica a través de su Museo Jumex con entrada gratuita o boleto de bajo costo. El arte es praxis no idealización de su ejercicio por lo tanto no existe la inocencia en el arte, existe la expansión de ideologías, los juegos geopolíticos, las políticas culturales de países y de las potencias dominantes, los negocios, las ganancias y pérdidas en distintos sectores de la industria cultural. En la realidad mexicana tan dependiente de la influencia de las potencias culturales parece inevitable que las instituciones privadas como el Museo Jumex haga eco de los artistas mejor posicionados en el mercado y los centros de poder mundial como en el caso de Jef Koons y Damien Hirst.  Así que, no es de extrañar que en exposiciones futuras se presente la obra de artistas consolidados y preponderantes de la escena internacional  como Maurizio Cattelan, Takashy Murakami, Banksy, entre otros, pertenecientes a la generación de Eugenio López dueño del Museo Jumex. Muchos de los artistas de la colección Jumex son representados por famosas galerías de élite como Perrotin, Marian Gootman, Marlborough, Gagosian, Saatchi, entre otras.  Pues el señor Eugenio López se mueve en el Olimpo del mercado del arte, como no podría ser de otra manera. 

Recordemos que gracias a su museo Eugenio López alcanza posicionamiento en muchos niveles y el reconocimiento de sus empresas a nivel mundial. Su museo le ayuda a usar la estética para su fábrica de jugos envasados en cartón, lata y vidrio consumidos por las masas populares y clases medias. Sin embargo, ya que el señor Eugenio López se mueve en las altas esferas de los ecosistemas del arte, también, podría contemplar hacer vínculos con poderosas galerías chinas y traer a sus artistas estrellas a México ya que se ven muy poco por acá. Después de todo China tiene el 29% del mercado del arte mundial y son los nuevos ricos del planeta. Es más difícil traer artistas de Rusia por la rusofobia y bloqueos económicos de la Unión Europa y la OTAN (Organización del Atlántico Norte). Aunque, aun así, estaría de perlas que trajera artistas rusos de arte contemporáneo.  Ya que, se supone que, el Museo Jumex esta fundado en ideas de las demócratas liberales que aceptan la competencia y el reconocimiento del los otros, Entonces debería traer artistas chinos, rusos o hindús.

 

4.- De acuerdo a como se fue gestando la obra de Damien Hirst desde 1988 hasta 2010 sus obras representan la época del triunfo absoluto de las democracias liberales esto significa el triunfo capitalismo anglosajón liderado por el super poder absoluto de USA que, por cierto, sólo duró 16 años (1991-2008 según John Mearsheimer).  En contraposición del emergente modelo capitalista de estado chino o el capitalismo hindú, ambas en ascenso, y que no son democracias liberales. De acuerdo a intelectuales del arte de la segunda mitad del siglo XX que hablaban del fin del arte. Entonces la obra de Damien Hirst que se creó en ese tiempo podría haber sido asociada al concepto del fin de la historia del arte, el fin del arte o el fin de la historia en referencia al libro “El fin de la Historia y el último hombre” de Fukuyama publicada en 1991. En ese libro el autor considera que después de la caída de la URSS y del comunismo todos los hombres se convertirían al capitalismo de la democracia liberal. Donde los más caros y extravagantes deseos del individuo se podrán cumplir bajo el estímulo económico y la libertad individual al margen  los valores de cualquier grupo social.  La exacerbación del individualismo conlleva el riesgo de perder la crítica y caer en el síndrome del niño tirano.  Una interpretación extrema de las democracias liberales para legitimar los deseos de los individuos implicaría que el valor de la crítica no sea importante. Bajo esta óptica en el terreno del arte se ve a la crítica como carente de poder o inútil. Menciono esto porque casi no existen espacios de crítica de arte en periódicos o portales de internet.  Y se ha visto muy poca critica de la obra de Damien Hirst en la actual exposición en el Museo Jumex no solamente porque su obra se gestó en una   democracia liberal donde se le otorga el reconocimiento al individuo y su emprendimiento sino porque su propuesta de valor le ha llevado a usar símbolos de fácil aceptación que la gente admira y quiere. Nos referimos a las joyas, los medicamentos y los símbolos técnicos de las ciencias.  En un mundo lleno de libertades.  ¿Se puede hacer critica de arte cuando el público sucumbe fascinado frente a obras hechas con diamantes, piedras preciosas, medicamentos de las empresas farmacéuticas trasnacionales de la Big Pharma, materiales quirúrgico o cuadros de puntos que todo mundo puede hacer?  Además, es difícil que un visitante cuestione el valor tanto estético como monetario de las obras expuestas porque las gemas son apreciadas en todo el mundo.  Una alacena llena de medicinas o un gabinete lleno de instrumental quirúrgico también son apreciados por qué significan salvar una vida o curar a alguien.  Una vitrina gigante de piedras preciosas significa belleza, abundancia y riqueza máxime si tienen espejo donde se refleja el visitante. Un cenicero gigante lleno de colillas de cigarro pone de acuerdo a la gente de que el cigarro es malo para la salud.  Incluso los animales como los tiburones, las ovejas y las palomas conservadas en vitrinas de formol azul, el público, los asocia a experiencias cuasi-científicas   porque los vinculan a museo de ciencias naturales, taxidermia o investigación biológica.  Con esto, podemos constatar, que muchísimas obras de arte contemporáneo no requieren de críticos. En esta exposición de Damien Hirst pareciera que no hay manera de establecer una crítica severa que cimbre los pilares que lo sostienen.  Y si existiera este tipo de critica a pocos les importa porque se vive en un ambiente de las democracias liberales cuyo valor es la libertad y distintos factores éticos y legales apuntan al reconocimiento del individuo.   La crítica de arte Blanca Gonzales Rosas de la revista Proceso parece que no ha dicho ni pio de esta exposición (al menos no he encontrado su columna de esta exposición).   Avelina Lesper en su canal de You tube criticó la exposición de Damien Hirst para sus seguidores sin causar aspavientos porque miles de personas hemos asistido al Museo Jumex a ver el cráneo con diamantes, los tiburones y mariposas.  Sin embargo, el profesional más adecuado para esta época es el curador y lo es desde los 1980s al menos en México. En esta ocasión es importante una curaduría que produzca textos que dialoguen con los intereses de museo, del mercado y que sea didáctico para los visitantes.  Con este objetivo se elaboran las fichas técnicas, los textos de sala. Y se publicó el Cuadernillo #31 “Damien Hirst. Vivir para (siempre por un momento)”. Texto curatorial de Adriana Kuri Alamillo. Publicado por Fundación Jumex Arte Contemporáneo 2024.  La importancia de ser curador es inobjetable en la actualidad. Comúnmente los curadores están formados con estudios en el área de humanidades, historia del arte, antropología, sociología, semiología, filosofía. Cuando se institucionaliza el reconocimiento de las necesidades individuales del humano prácticamente se valida cualquier acción y prácticas en los ecosistemas del arte. Y entonces, ya no interesa la crítica, aunque siga siendo importante, pero si, en cambio se valora más el trabajo del curador. 

 

 

 

5.- El público asistente al museo se topa con una encrucijada al momento de usar criterios para evaluar la exposición. Pues es difícil criticar a obras hechas con diamantes, piedras preciosas, medicinas, material quirúrgico. Es decir, se enfrenta a un arte que se presenta como inmaculado. Que pretende ser inmaculado e impoluto como el sistema económico que lo vio nacer.   Es difícil que un visitante cuestione las obras tanto en su valor estético, artístico o monetario. Dado que las obras están muy pulcras y hechas con gemas costosas. Además, las mariposas y palomas, aparte de bellas, son estimados por mucha gente.  Las cabezas de ovejas o de vaca en estado de descomposición con moscas remite a la transformación de la materia e incluso al esoterismo. En cuanto a lo artístico sólo basta con leer a un especialista o curador que escriba los textos más brillantes o convincentes acerca de la exposición.   

6.- En los años de su aparición las impecables piezas de alacenas de medicamentos de Damien Hirst se ve que están “rechinando de limpias”. Se puede pensar que representaron la higienización de un sistema en contra del socialismo soviético que se derrumbaba en 1991. También se puede considerar que la ampliación de la OTAN como medicina o instrumental quirúrgico para curar a los países que recién se independizaron de la URSS. O una asepsia contra de Rusia y China.  Sus exposiciones están pensadas para considerar a los objetos con acabados de la industria del lujo o los acabados pulcros de objetos industriales como los   muebles de hospitales, vitrinas con joyas y medicamentos de patente erigidos como la esperanza y la promesa del Consenso de Washington y el “libre comercio”. Se presentan como una fe en un sistema capitalista que produce un arte inmaculado y cuasi-religioso del que muchas personas no pueden escapar.

7.- La exportación de productos de las industrias culturales a otros países y sus conglomerados humanos es estratégico no solo por el negocio que representa sino para mantener la hegemonía de los países dominantes.  Por lo cual, considero, deberíamos anteponer reservas al momento de visitar el conjunto de obra que se expone en el Museo Jumex. Para empezar, podríamos no acercarnos pensando en la verticalidad de su poder e influencia, es decir, no sentirte subyugado por el poder del museo y de lo que se exhibe allí por muy pulcros e inmaculados que se vean.   Pues si no te identificas o no te conmueven los objetos expuestos en cualquier museo de arte contemporáneo lo mejor para la salud mental y física sería no sentir que estas fuera de lugar o que navegas en la ignorancia.  Porque es obvio que el arte considerado falsamente como universal no comunica lo mismo a un sujeto afgano, un saharaui o un compañero zapoteca de Oaxaca simplemente porque no existe el concepto arte universal global para todos. Al arte universal globalista le podemos llamar arte dominante (mainstream) pero fuera de eso existen otras realidades culturales.  Tampoco existe el público en general, lo que existe es un público interesado en un tema, dividido en los conocedores, los aficionados y los neófitos. No te pueden convocar como publico en general si a ti no te interesa un tema específico.  La mejor manera de ver exposiciones en museos es pensar que los artistas están ubicados en su tiempo y su espacio. Es decir, produjeron en una época, en un siglo o década, y en un continente, en un país, en una región y en una cultura que tienen intereses y valores particulares.  Con lo cual nos   podemos percatar de las pretensiones veladas de las instituciones culturales con sus exposiciones. Si bien es cierto las obras de arte tienen varios significados también  en valido expresar o leer  las distintas lecturas de la obra.  Sabiendo de antemano que los productos culturales tienen manejos ideológicos, de identidad cultural y geopolíticos. Para finalmente darse cuenta que las piezas en el museo alojan en su contenido tantas características positivas como negativas.

8.- Desde mi particular punto de vista la pieza que resultó interesantes en su momento de aparición son las vitrinas con vacas en descomposición con moscas como la que se vio en la exposición   Sensation: Young British Artists from the Saatchi Collection 1999, Brooklyn Museum. Y tuve la oportunidad de ver. Algo parecido a A haundred years. 1990, expuesta actualmente en la Galería Hilario Galguera 2024. ( 3) CDMéxico. Hay que decir que en las décadas de 1960 a 1990 había un ambiente de hacer arte estrambótico ya que era la inercia de la búsqueda de lo nuevo para superar la Modernidad. En la primera mitad de los años 1960s en Austria aparecieron los Accionistas Vienenses que hacían acciones con sacrificios de animales, sangre, viseras de animales, excrementos, y otros fluidos humanos. En los 1960s en México Alejandro Jodorovsky narra que él convocaba hacer happening en la Academia de San Carlos  y en uno de estos Manuel Felguérez  mientras pintaba un cuadro con tripas de pollo  Lilia Carrillo marchaba con uniforme nazi. También narra que un sujeto se comió una paloma viva como parte de un happening.  Pérez América me recordó que en los 1970s   llego a ver eventos con animales muertos.  Recordé que a finales en 1989 un estudiante llamado “el Checa” puso cabezas de perros en una exhibición colectiva en la escuela de arte de la Esmeralda.  Una cosa asquerosa para muchas mujeres que se fueron a quejar con las autoridades del ministerio público.  Trabajar con animales muertos fue parte de esa época.  Damien Hirst nos lo recuerda, pero a diferencia de los otros él si sabe comercializarlos.  

 

 

 

1.-       https://www.fundacionjumex.org/es/exposiciones/290-damien-hirst-vivir-para-siempre-por-un-momento

 

 

2.-   Damien Hirst en septiembre de 2008, y como algo sin precedentes para un artista vivo,¹⁰​ vendió una exposición completa, Beautiful Inside My Head Forever, por subasta en Sotheby's.¹¹​ La subasta superó todas las previsiones, elevando a £111 millones ($198 millones de dólares), rompiendo el récord para una subasta de artista individual.

 

 

3.-   https://www.galeriahilariogalguera.com/exhibitions/damien-hirst-new-spot-paintings-and-a-hundred-years

 

 

 

EL LEGADO GENUINO DEL ARTE MODERNO.

 

El arte moderno duró, apenas, alrededor de 100 años en una carrera que va de Eduard Manet al hiperrealismo. (1863-1970). Una carrera frenética de individuos con el delirio por descubrir nuevas maneras de ver y de sentir para construir una nueva realidad estética. Desde su aparición, a muchos artistas modernos, antes y ahora se les quiere pasar a degüello tachándolos de insulsos. El you tuber Antonio García Villarán (1976) con más de un millón de seguidores mira con sospecha, incredulidad y desprecio la obra de Joan Miró o Antonio Tapies. El pintor anti-moderno Odd Nerdrum (1944) dijo: . “El modernismo me parece viejo y triste. He visto tanto de él que me ya me tiene harto”

La medula del arte modernos son las libertades de conciencia del luteranismo, los derechos individuales nacidos de la revolución francesa, la revolución industrial del siglo XIX, la idea de progreso científico. Si bien es cierto que la esquizofrenia de los artistas modernos por obtener reconocimiento al crear algo nuevo, muchas veces, hacían planteamientos ridículos, también nos enseñaron a ver lo que antes no se veía ni se sentía. La actitud de los artistas modernos nos dejó una estela de caricaturas trasnochadas como el maestro de la Esmeralda (Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado) que a finales de los 1980s decía que había descubierto “el Hoyismo”. Lo vi caminar por los pasillos del metro mostrando un cuadro de paisaje con hoyos. Bueno hasta estas caricaturas esquizofrénicas y trasnochadas del tercer mundo formaron parte del guateque de modernidad. Incluso, actualmente, existe un maestro pintor que ha ganado premios y tiene su nicho de mercado que dice haber inventado “el Chingonismo” como tendencia pictórica. No se sabe que sea eso, pero parece otra caricatura más.  Sin que México formara parte de los países modernos por carecer de su propia revolución industrial si contamos con artistas e intelectuales que al calor de los movimientos sociales generaron vanguardias como el Muralismo mexicanos, Los Estridentistas. Y Octavio Paz quien escribió del arte moderno.

Los artistas modernos voltearon a ver a el arte primitivo, las paredes deslavadas, los garabatos de los niños, los dibujos de los locos, las pinturas de los ancianos y presidiarios. Buscaron interpretar el movimiento de manera gráfica y pictórica. Investigaron la luz y el color. Investigaron las pulsiones del inconsciente, investigaron las formas y las abstracciones. Investigaron la percepción cinética, los anuncios publicitarios, usaron nuevas herramientas como la cámara fotográfica, el proyector de imágenes, pistola de aire, aerógrafo, etc. investigaron el lenguaje y las palabras en el plano. Cuestionaron la existencia del arte en soporte bidimensional y las paredes. Cuestionaron la pintura de caballete. Fundaron las bases para el diseño y arquitectura actual. Los pintores modernos crearon un vástago, un Frankenstein llamado Arte conceptual que es autónomo y lleva su propio rumbo.

Sólo 100 años les bastó para enseñarnos a ver y sentir cosas que no hubiéremos valorado de manera estética nunca. A mí no me hartan las formas como a mucha gente que no gusta del legado del arte moderno. Les traigo un objeto que hubiera llamado la atención a un artista moderno. Esta lámina de metal con trazos inclinados, verticales y horizontales, con brillo metálico. Una delicia que no me harta. Además, creo que esta lámina es un falso positivo del arte. (Esta lámina es usada para hacer cortes de tela o vinil con punta de acero afilada. El autor es un maestro que hace bolsas) Alumbrando los instintos.

Método de dibujo. Para aprender a dibujar.

 

Aunque nunca tome clases con el maestro Gilberto Aceves Navarro (México 1931-2019) entiendo a pie juntillas lo que piensa y dibuja. Porque también estudie en método The Natural Way to Draw. 1941  De Kimon Nicolades (EU 1891-1938). Ahora parece que pasó de moda ya no veo la efervescencia por dibujar con ese método. He observado algunos de sus alumnos convertidos en artistas famosos, sobre toda la generación de los 1980s o 90s pero cuando dan clases no enseñan este camino de aprendizaje porque no creyeron, no lo entendieron o porque consideran que no ha de enseñarse en esta época. Entiendo que Aceves Navarro trajo este método desde finales se 1960s y tuvo buena aceptación por las primeras generaciones que formo. Pocos maestros en la Esmeralda enseñaban estos ejercicios de dibujo, pero la mayoría no sabían leer los dibujos. Pero allí lo aprendí con el maestro Javier Anzures. Este método se institucionalizo tanto que, que incluso, la UNAM lo imprimió el libro de Nicolaides en 2014 con el título La forma natural de dibujar. La verdad hay que tener inteligencia emocional y visual para seguir este método porque si no defines lo que esperas aprender puede resultar una práctica de dibujo muy adictiva y con un final confuso. Adictiva porque es muy emociónate y confusa porque algunos estudiantes no concretan y siguen rayando y rayando (Lo digo por experiencia). Se requiere estar al lado de  un guía o gente que lo practique para poder ver el proceso de aprendizaje y los resultados que obtienen en los ejercicios y su obra. Si no tienes claro para qué dibujar y quieres explorar sin tener que estudiar el concepto, ni la historia del dibujo y, además, pasas por alto estudiar estas disciplinas mejor no lo practiques porque podría pasar que los buenos resultados lineales ni siquiera los puedas ver. Porque puede pasar que la sensibilidad y la razón no dialoguen en tu interior y algunos dibujos sean rechazados por tu sensibilidad o por tu razón. Se requiere conceptos e historia del dibujo para concretizar un dibujo si es que te vas a meter a explorar. Pero tampoco es época de explorar el dibujo y hay pocos que entienden esa práctica dibujística. Justamente porque ven al dibujo como la chacha del arte y no como una disciplina artística. También, es cierto, que existen otros caminos para dibujar, que tienen su importancia, como podría ser el dibujo de imitación hay muchos manuales de como sombrear, de proporción y de anatomía. O dibujar por la libre de manera intuitiva viendo lo que hacen otros y haciendo tu propia interpretación de los estilos. Muchos dibujantes así consiguen sus estilos y no se azotan tanto con explorar el mundo de las líneas. El método más eficaz y pragmático es creer en lo que haces. Existen muchos artistas conceptuales que quieren regresar a dibujar con resultados no muy afortunados, pero como tienen la categoría de artistas son aplaudidos. Los he visto en unas galerías famosas. Con el fin de la crítica de arte en estos tiempos donde la libertad y reconocimiento del individuo, se permite que muchas personas produzcan cosas sin ninguna objeción. Más bien, en el mejor de los casos, necesitarían un curador para que los vincule con el público y explique lo que el artista quiso decir. Y por lo general el curador habla de la narrativa de la obra no precisamente te enseña a ver. De cualquier forma y manera que quieras abordar el dibujo una luz te guiara. Saca tus dibujos que tienes debajo de la cama, esos que la gente rechaza y abrázalos. Lo más probable que esos sean los mejores. Por eso es tan conflictivo ser dibujante que estudie las líneas. Máxime si no vas con la moda o la estética domínate.

 

Dibujos de Gilbero Aceves Navarro.

Dibujos de Mauro Terán 1994

GRIETA (Galería José María Velasco Peralvillo 55 Col. Morelos CDMx.)

 Grieta”. Exposición del artista Vlock Negro (Ciudad Nezahualcoyotl Estado de México-). Arte objeto, gráfica, collage, pintura, Art street, muralismo. Comenzó su activismo social en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. En este mismo lugar estudió. Podrán ver temas de la gentrificacion, indigenismo, políticos, Gaza y Palestina, migración y más. Galería José María Velasco Peralvillo 55 Col. Morelos. De martes a Domingo de 10 a 18 horas. Miércoles hasta 20 horas.

1.- “En un mundo marcado por la opresión y la desigualdad Grieta nos ofrece una mirada crítica y esperanzadora, reafirmando la necesidad de mantener la llama de la acción y la creatividad como motor de transformación social” Hoja de sala escrita por Karen Benavides para la Galería José María Velasco. Este pensamiento me recordó las actividades políticas y de propaganda del Taller de la Gráfica Popular en México, Los alcances ideológicos y de propagandea de los carteles artísticos soviéticos, alemanes, chinos o de USA de la primera mitad del siglo XX. las imágenes graficas y de carteles políticos o comerciales, pegados en las calles, transformaron las conciencias de las sociedades de la época. 2.-Como lo formal y perceptual en los objetos artísticos ya no es tan relevante habrá que priorizar las coordenadas ideológicas y la estética de las obras para evaluarlas. Siendo así, las producciones artísticas pueden estar más al alcance de las gente curiosa o interesada si necesidad de pertenecer a los expertos en arte. 3.-La idea “la acción y creatividad como transformación social” de Benavides debería alejarse de una ideología divagante para ser parte de un programa de Estado donde el concepto creatividad sea un ejercicio cotidiano en las vidas de los individuos en el arte o en la tecno-ciencia. Indiscutiblemente una sociedad que sueña con la fábrica de aviones, con la producción de vacunas, que desarrolla industria de cine, que produce celulares o diseñan vehículos tienen más espacios para ser creativos. 3.- Las rutas del artista podrían ser variadas, pero consideremos básicamente los tinglados de operación, los escenarios donde pueden germinar y dar fruto. He visto artistas que después de estudiar arte consumen su tiempo dentro de sus talleres para producir obra que finalmente a los críticos no les interesa. Ya sea porque su obra está fuera de moda o por que los curadores no están preparados para entenderla o no está en su línea editorial, o su obra no dialoga con ideas vigentes, etc. E inmediatamente esa persona se convierte en un “artista paría”, en un “artista antisocial” pero por ermitaño y no por ser delincuente o anarquista. Además, socialmente se convierte en símbolo de artista fracasado justamente por no ser aceptado. Por otro lado, existe el artista practico que aprovecha los espacios para dirigir su obra dentro de la interacción social. Espacios como sindicatos, luchas de comunidades rurales o urbanas, espacios donde se debaten ideas como los campus universitarios, activistas patrocinados por fundaciones privadas, partidos políticos incluso las residencias de artistas. O la misma calle donde los artistas callejeros han sido apoyados o premiados por compañías privadas o instituciones de gobierno que les contabilizan su hándicap. Estos últimos artistas tienen los mejores rendimientos a corto plazo por que la sociedad y las comunidades los reconocen. Prefiero ver artistas felices, con logros, premios, viajes. reconocidos por la gente, por la utilidad a alguna causa. Prefiero ver artistas con adecuación social, aceptados y apoyados, independientemente de sus planteamientos artísticos, el poder discursivo o comunicativo de sus obras. Prefiero ver artistas trabajando y motivados como es el caso de Vlack Negro. Aunque también busco a los artistas aislados, a-sociales, para ver lo que hacen. Recuerden que soy un alcoholicazo de ver arte. Si no veo arte entro en cruda moral, y me tiemblan las manos y el corazón si no veo una obra, para mí un anexo de recuperación es un museo o una galería. Alumbrando los instintos®.

SOSPECHA DE LAVADO DE DINERO EN LAS FERIAS DE ARTE. Zsona Maco 2024 México.

 

Se sospecha de lavado de dinero en 15 actividades como compraventa de joyas, autos, buques, aviones, bienes inmuebles como casas y terrenos.  Actividades profesionales como contadores, abogados, médicos, notarios, agentes aduanales.  Concursos de apuestas y casinos, Custodia de dinero, Las fundaciones, asociaciones civiles, asociaciones filantrópicas, los bancos, casas de préstamo, casas de cambio de divisas. Y no solamente las obras de arte.  Una cosa es el l lavado de dinero y otra la especulación con los precios de obras de arte. Lavar dinero de hace con recursos de procedencia ilícita.  Y los precios altos es parte del juego del mercado del lujo al que pertenece el arte. La clave para que países como USA tenga un fuerte y dominante mercado de arte es porque su sistema hacendario permite deducir impuestos en la compra de obras de arte para incentivar esa industria. El coleccionismo de arte esta motivado por la deducción de impuestos esto quiere decir que esta subvencionado por los impuestos de otros ciudadanos pagan.   La especulación de precios mientras se declare ante el fisco y cumplan con la normatividad no hay delito que perseguir porque se entiende que los precios altos forman parte de la oferta y demanda. Los “think tank” de la CIA, RAND Corporation , etc,  aconsejan a ese gobierno tomar   el control y dominio de  los bienes artísticos  para tener influencia cultural  nivel mundial  desde los centros de poder financiero, espectáculos  y entretenimiento para tener el dominio geopolítico. Y esto justificaría todos los trastupijes que,  se sospecha, se hacen con el arte en USA. Para USA tener un mercado del arte enorme es parte del proyecto país así como dominar la industria del cine en el mundo.  En el caso mexicano la ley Federal de Prevención e Identificación de Operaciones con Recursos de Procedencia Ilícita.   promulgada por Calderón bajo la presión de instituciones internacionales ejerce una acotación sobre el gasto de los bienes de lujo y el arte. Esta ley antilavado no ha detenido el delito de blanqueo de dinero porque se hace con muchas otras actividades. Pero tampoco permite que se desarrolle el mercado del arte porque todo ciudadano que tenga dinero bien habido es sospechoso de lavar dinero.  Muchos de los coleccionistas, de nivel medio o bajo, prefieren comprar obra que no rebase las cantidades límites establecidas por esa ley para que no sea detectada su compra. O por otro lado muchos pagan en efectivo y no piden factura. Por esta razón no hay métricas confiables sobre el valor real del mercado del arte en México. Desde luego es posible que haya blanqueo de dinero en el mercado del arte o que las obras de arte sea un refugio de inversión de capitales.   Considero que hay más control en las ferias de arte y casa subastadoras como Morton en México Christie´s y Sotheby´s  en la anglosfera por las cantidades que se mueven y porque tanto las galerías como los compradores están más interesados en cumplir con los requerimientos legales justamente para evitar investigaciones fiscales y porque los datos de las ventas son públicos.  Una vez más, no dudo que pueda haber compra de arte con recursos de procedencia ilícita pero justamente para eso están los agentes de Hacienda o la policía cibernética. Siempre va haber sospecha de lavado de dinero con las cantidades tan elevadas de dinero para comprar arte por eso se promulgaron esas leyes. Pero también si queremos que la industria y el mercado del arte crezca junto con los coleccionistas se tendría que permitir mover cantidades grandes de dinero entre particulares galerista-coleccionista sin considerarlos sospechosos o delincuentes de antemano. Como ocurre en EU, Inglaterra, Hong Kong y no se diga en ciudades que funcionan como paraisos fiscales como la City de Londres o Delaware.   Y otras ciudades del primer mundo y nadie los cuestiona.   También si queremos que el mercado del arte crezca habría que incentivar con deducción de impuestos a los coleccionistas que compren obra. Y normalmente a los narcos no se les han encontrado grandes colecciones de arte porque ellos compran joyas, coches, animales y casas. La compra de arte es susceptible de involucrar dinero ilegal y su lavado si entiendo eso. Pero mientras las autoridades no imputen a una persona en concreto sobre el delito de blanqueo de capitales simplemente nos habrá dicho delito en las ferias de arte.  Aunque, ojo, no niego, ni dudo que pueda existir ese delito. 

Mercado del arte y precios. Vámonos acostumbrando.

El arte es un artículo de primera necesidad que solamente menos del 1% de la población del mundo se puede permitir. Un pequeño ex voto tipo mexicano (óleo / cobre, 30.5 x43.2 cm) de Mark Ryden se vendió el primer día de apertura de Zsona Maco 2024 en 300 mil dólares (5 100 000 pesos) Sin embargo soy de los que piensan el mercado del arte no es para lavar dinero como muchos críticos y el SAT sospechan. En Zsona Maco hace 5 años este mismo artista trajo un cuadro de un millón cien mil dólares. No supe si se vendió. Ni hablar amigos en el mercado del arte se habla de marmaja, lana, luz, efectivo, mosca, plata, varo, dinero... Vámonos acostumbrado.

Alcancía del Banco Serfin en la Feria Zsona MACO 2024

 La pieza nominada para la celebración de los 20 años de Zona Maco (yo mismo la nominé) . Por los fuertes problemas de migración de los últimos 10 años de gente de Asia, Centroamérica, el Caribe y África. La migración informal ha traído el encuentro con el diferente, con la otredad. Hoy que los podemos ver de frente en físico no los puedes nombrar. Cuando el Banco Serfin publicó esta alcancía se nos hacían tan simpáticos qué los ahorradores mexicanos tenían una en su casa y le introducían dinero. Cuando el Banco Serfin regalaba esta alcancía las palabras no estaban censuradas y la gente brincaba de gusto por tener uno en su casa y reír por lo chistoso que se ve. Incluso leían historietas del simpático Memín (héroe afrodesendiente mexicano ) y comían un pastelito Neg*rito Bimbo sabor a chocolate. Y en 2024 mucha gente siguen llegando de otros países y los residentes locales no saben que pensar. Lo bueno es que llegaron a un país de cultura católica acostumbrada a aceptar al distinto. Esta pieza podría ocupar la atención de Altermodernidad de Nicolás Bourriaud, Walter Mignolo y estudios decoloniales. También esta pieza es interesante porque no tiene autoría. Un caso para los artistas que trabajan con el tema del autor. El desaparecido Banco Serfin fue quien tenía los derechos pero ya no existe lo compraron bancos extranjeros y borraron esa marca del banco para siempre . Esta obra es huérfana. Esta escultura en la actualidad es políticamente incorrecta. Se hubiera ganado el premio Zona Maco 2024