EL LEGADO GENUINO DEL ARTE MODERNO.

 

El arte moderno duró, apenas, alrededor de 100 años en una carrera que va de Eduard Manet al hiperrealismo. (1863-1970). Una carrera frenética de individuos con el delirio por descubrir nuevas maneras de ver y de sentir para construir una nueva realidad estética. Desde su aparición, a muchos artistas modernos, antes y ahora se les quiere pasar a degüello tachándolos de insulsos. El you tuber Antonio García Villarán (1976) con más de un millón de seguidores mira con sospecha, incredulidad y desprecio la obra de Joan Miró o Antonio Tapies. El pintor anti-moderno Odd Nerdrum (1944) dijo: . “El modernismo me parece viejo y triste. He visto tanto de él que me ya me tiene harto”

La medula del arte modernos son las libertades de conciencia del luteranismo, los derechos individuales nacidos de la revolución francesa, la revolución industrial del siglo XIX, la idea de progreso científico. Si bien es cierto que la esquizofrenia de los artistas modernos por obtener reconocimiento al crear algo nuevo, muchas veces, hacían planteamientos ridículos, también nos enseñaron a ver lo que antes no se veía ni se sentía. La actitud de los artistas modernos nos dejó una estela de caricaturas trasnochadas como el maestro de la Esmeralda (Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado) que a finales de los 1980s decía que había descubierto “el Hoyismo”. Lo vi caminar por los pasillos del metro mostrando un cuadro de paisaje con hoyos. Bueno hasta estas caricaturas esquizofrénicas y trasnochadas del tercer mundo formaron parte del guateque de modernidad. Incluso, actualmente, existe un maestro pintor que ha ganado premios y tiene su nicho de mercado que dice haber inventado “el Chingonismo” como tendencia pictórica. No se sabe que sea eso, pero parece otra caricatura más.  Sin que México formara parte de los países modernos por carecer de su propia revolución industrial si contamos con artistas e intelectuales que al calor de los movimientos sociales generaron vanguardias como el Muralismo mexicanos, Los Estridentistas. Y Octavio Paz quien escribió del arte moderno.

Los artistas modernos voltearon a ver a el arte primitivo, las paredes deslavadas, los garabatos de los niños, los dibujos de los locos, las pinturas de los ancianos y presidiarios. Buscaron interpretar el movimiento de manera gráfica y pictórica. Investigaron la luz y el color. Investigaron las pulsiones del inconsciente, investigaron las formas y las abstracciones. Investigaron la percepción cinética, los anuncios publicitarios, usaron nuevas herramientas como la cámara fotográfica, el proyector de imágenes, pistola de aire, aerógrafo, etc. investigaron el lenguaje y las palabras en el plano. Cuestionaron la existencia del arte en soporte bidimensional y las paredes. Cuestionaron la pintura de caballete. Fundaron las bases para el diseño y arquitectura actual. Los pintores modernos crearon un vástago, un Frankenstein llamado Arte conceptual que es autónomo y lleva su propio rumbo.

Sólo 100 años les bastó para enseñarnos a ver y sentir cosas que no hubiéremos valorado de manera estética nunca. A mí no me hartan las formas como a mucha gente que no gusta del legado del arte moderno. Les traigo un objeto que hubiera llamado la atención a un artista moderno. Esta lámina de metal con trazos inclinados, verticales y horizontales, con brillo metálico. Una delicia que no me harta. Además, creo que esta lámina es un falso positivo del arte. (Esta lámina es usada para hacer cortes de tela o vinil con punta de acero afilada. El autor es un maestro que hace bolsas) Alumbrando los instintos.

Método de dibujo. Para aprender a dibujar.

 

Aunque nunca tome clases con el maestro Gilberto Aceves Navarro (México 1931-2019) entiendo a pie juntillas lo que piensa y dibuja. Porque también estudie en método The Natural Way to Draw. 1941  De Kimon Nicolades (EU 1891-1938). Ahora parece que pasó de moda ya no veo la efervescencia por dibujar con ese método. He observado algunos de sus alumnos convertidos en artistas famosos, sobre toda la generación de los 1980s o 90s pero cuando dan clases no enseñan este camino de aprendizaje porque no creyeron, no lo entendieron o porque consideran que no ha de enseñarse en esta época. Entiendo que Aceves Navarro trajo este método desde finales se 1960s y tuvo buena aceptación por las primeras generaciones que formo. Pocos maestros en la Esmeralda enseñaban estos ejercicios de dibujo, pero la mayoría no sabían leer los dibujos. Pero allí lo aprendí con el maestro Javier Anzures. Este método se institucionalizo tanto que, que incluso, la UNAM lo imprimió el libro de Nicolaides en 2014 con el título La forma natural de dibujar. La verdad hay que tener inteligencia emocional y visual para seguir este método porque si no defines lo que esperas aprender puede resultar una práctica de dibujo muy adictiva y con un final confuso. Adictiva porque es muy emociónate y confusa porque algunos estudiantes no concretan y siguen rayando y rayando (Lo digo por experiencia). Se requiere estar al lado de  un guía o gente que lo practique para poder ver el proceso de aprendizaje y los resultados que obtienen en los ejercicios y su obra. Si no tienes claro para qué dibujar y quieres explorar sin tener que estudiar el concepto, ni la historia del dibujo y, además, pasas por alto estudiar estas disciplinas mejor no lo practiques porque podría pasar que los buenos resultados lineales ni siquiera los puedas ver. Porque puede pasar que la sensibilidad y la razón no dialoguen en tu interior y algunos dibujos sean rechazados por tu sensibilidad o por tu razón. Se requiere conceptos e historia del dibujo para concretizar un dibujo si es que te vas a meter a explorar. Pero tampoco es época de explorar el dibujo y hay pocos que entienden esa práctica dibujística. Justamente porque ven al dibujo como la chacha del arte y no como una disciplina artística. También, es cierto, que existen otros caminos para dibujar, que tienen su importancia, como podría ser el dibujo de imitación hay muchos manuales de como sombrear, de proporción y de anatomía. O dibujar por la libre de manera intuitiva viendo lo que hacen otros y haciendo tu propia interpretación de los estilos. Muchos dibujantes así consiguen sus estilos y no se azotan tanto con explorar el mundo de las líneas. El método más eficaz y pragmático es creer en lo que haces. Existen muchos artistas conceptuales que quieren regresar a dibujar con resultados no muy afortunados, pero como tienen la categoría de artistas son aplaudidos. Los he visto en unas galerías famosas. Con el fin de la crítica de arte en estos tiempos donde la libertad y reconocimiento del individuo, se permite que muchas personas produzcan cosas sin ninguna objeción. Más bien, en el mejor de los casos, necesitarían un curador para que los vincule con el público y explique lo que el artista quiso decir. Y por lo general el curador habla de la narrativa de la obra no precisamente te enseña a ver. De cualquier forma y manera que quieras abordar el dibujo una luz te guiara. Saca tus dibujos que tienes debajo de la cama, esos que la gente rechaza y abrázalos. Lo más probable que esos sean los mejores. Por eso es tan conflictivo ser dibujante que estudie las líneas. Máxime si no vas con la moda o la estética domínate.

 

Dibujos de Gilbero Aceves Navarro.

Dibujos de Mauro Terán 1994

GRIETA (Galería José María Velasco Peralvillo 55 Col. Morelos CDMx.)

 Grieta”. Exposición del artista Vlock Negro (Ciudad Nezahualcoyotl Estado de México-). Arte objeto, gráfica, collage, pintura, Art street, muralismo. Comenzó su activismo social en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. En este mismo lugar estudió. Podrán ver temas de la gentrificacion, indigenismo, políticos, Gaza y Palestina, migración y más. Galería José María Velasco Peralvillo 55 Col. Morelos. De martes a Domingo de 10 a 18 horas. Miércoles hasta 20 horas.

1.- “En un mundo marcado por la opresión y la desigualdad Grieta nos ofrece una mirada crítica y esperanzadora, reafirmando la necesidad de mantener la llama de la acción y la creatividad como motor de transformación social” Hoja de sala escrita por Karen Benavides para la Galería José María Velasco. Este pensamiento me recordó las actividades políticas y de propaganda del Taller de la Gráfica Popular en México, Los alcances ideológicos y de propagandea de los carteles artísticos soviéticos, alemanes, chinos o de USA de la primera mitad del siglo XX. las imágenes graficas y de carteles políticos o comerciales, pegados en las calles, transformaron las conciencias de las sociedades de la época. 2.-Como lo formal y perceptual en los objetos artísticos ya no es tan relevante habrá que priorizar las coordenadas ideológicas y la estética de las obras para evaluarlas. Siendo así, las producciones artísticas pueden estar más al alcance de las gente curiosa o interesada si necesidad de pertenecer a los expertos en arte. 3.-La idea “la acción y creatividad como transformación social” de Benavides debería alejarse de una ideología divagante para ser parte de un programa de Estado donde el concepto creatividad sea un ejercicio cotidiano en las vidas de los individuos en el arte o en la tecno-ciencia. Indiscutiblemente una sociedad que sueña con la fábrica de aviones, con la producción de vacunas, que desarrolla industria de cine, que produce celulares o diseñan vehículos tienen más espacios para ser creativos. 3.- Las rutas del artista podrían ser variadas, pero consideremos básicamente los tinglados de operación, los escenarios donde pueden germinar y dar fruto. He visto artistas que después de estudiar arte consumen su tiempo dentro de sus talleres para producir obra que finalmente a los críticos no les interesa. Ya sea porque su obra está fuera de moda o por que los curadores no están preparados para entenderla o no está en su línea editorial, o su obra no dialoga con ideas vigentes, etc. E inmediatamente esa persona se convierte en un “artista paría”, en un “artista antisocial” pero por ermitaño y no por ser delincuente o anarquista. Además, socialmente se convierte en símbolo de artista fracasado justamente por no ser aceptado. Por otro lado, existe el artista practico que aprovecha los espacios para dirigir su obra dentro de la interacción social. Espacios como sindicatos, luchas de comunidades rurales o urbanas, espacios donde se debaten ideas como los campus universitarios, activistas patrocinados por fundaciones privadas, partidos políticos incluso las residencias de artistas. O la misma calle donde los artistas callejeros han sido apoyados o premiados por compañías privadas o instituciones de gobierno que les contabilizan su hándicap. Estos últimos artistas tienen los mejores rendimientos a corto plazo por que la sociedad y las comunidades los reconocen. Prefiero ver artistas felices, con logros, premios, viajes. reconocidos por la gente, por la utilidad a alguna causa. Prefiero ver artistas con adecuación social, aceptados y apoyados, independientemente de sus planteamientos artísticos, el poder discursivo o comunicativo de sus obras. Prefiero ver artistas trabajando y motivados como es el caso de Vlack Negro. Aunque también busco a los artistas aislados, a-sociales, para ver lo que hacen. Recuerden que soy un alcoholicazo de ver arte. Si no veo arte entro en cruda moral, y me tiemblan las manos y el corazón si no veo una obra, para mí un anexo de recuperación es un museo o una galería. Alumbrando los instintos®.

SOSPECHA DE LAVADO DE DINERO EN LAS FERIAS DE ARTE. Zsona Maco 2024 México.

 

Se sospecha de lavado de dinero en 15 actividades como compraventa de joyas, autos, buques, aviones, bienes inmuebles como casas y terrenos.  Actividades profesionales como contadores, abogados, médicos, notarios, agentes aduanales.  Concursos de apuestas y casinos, Custodia de dinero, Las fundaciones, asociaciones civiles, asociaciones filantrópicas, los bancos, casas de préstamo, casas de cambio de divisas. Y no solamente las obras de arte.  Una cosa es el l lavado de dinero y otra la especulación con los precios de obras de arte. Lavar dinero de hace con recursos de procedencia ilícita.  Y los precios altos es parte del juego del mercado del lujo al que pertenece el arte. La clave para que países como USA tenga un fuerte y dominante mercado de arte es porque su sistema hacendario permite deducir impuestos en la compra de obras de arte para incentivar esa industria. El coleccionismo de arte esta motivado por la deducción de impuestos esto quiere decir que esta subvencionado por los impuestos de otros ciudadanos pagan.   La especulación de precios mientras se declare ante el fisco y cumplan con la normatividad no hay delito que perseguir porque se entiende que los precios altos forman parte de la oferta y demanda. Los “think tank” de la CIA, RAND Corporation , etc,  aconsejan a ese gobierno tomar   el control y dominio de  los bienes artísticos  para tener influencia cultural  nivel mundial  desde los centros de poder financiero, espectáculos  y entretenimiento para tener el dominio geopolítico. Y esto justificaría todos los trastupijes que,  se sospecha, se hacen con el arte en USA. Para USA tener un mercado del arte enorme es parte del proyecto país así como dominar la industria del cine en el mundo.  En el caso mexicano la ley Federal de Prevención e Identificación de Operaciones con Recursos de Procedencia Ilícita.   promulgada por Calderón bajo la presión de instituciones internacionales ejerce una acotación sobre el gasto de los bienes de lujo y el arte. Esta ley antilavado no ha detenido el delito de blanqueo de dinero porque se hace con muchas otras actividades. Pero tampoco permite que se desarrolle el mercado del arte porque todo ciudadano que tenga dinero bien habido es sospechoso de lavar dinero.  Muchos de los coleccionistas, de nivel medio o bajo, prefieren comprar obra que no rebase las cantidades límites establecidas por esa ley para que no sea detectada su compra. O por otro lado muchos pagan en efectivo y no piden factura. Por esta razón no hay métricas confiables sobre el valor real del mercado del arte en México. Desde luego es posible que haya blanqueo de dinero en el mercado del arte o que las obras de arte sea un refugio de inversión de capitales.   Considero que hay más control en las ferias de arte y casa subastadoras como Morton en México Christie´s y Sotheby´s  en la anglosfera por las cantidades que se mueven y porque tanto las galerías como los compradores están más interesados en cumplir con los requerimientos legales justamente para evitar investigaciones fiscales y porque los datos de las ventas son públicos.  Una vez más, no dudo que pueda haber compra de arte con recursos de procedencia ilícita pero justamente para eso están los agentes de Hacienda o la policía cibernética. Siempre va haber sospecha de lavado de dinero con las cantidades tan elevadas de dinero para comprar arte por eso se promulgaron esas leyes. Pero también si queremos que la industria y el mercado del arte crezca junto con los coleccionistas se tendría que permitir mover cantidades grandes de dinero entre particulares galerista-coleccionista sin considerarlos sospechosos o delincuentes de antemano. Como ocurre en EU, Inglaterra, Hong Kong y no se diga en ciudades que funcionan como paraisos fiscales como la City de Londres o Delaware.   Y otras ciudades del primer mundo y nadie los cuestiona.   También si queremos que el mercado del arte crezca habría que incentivar con deducción de impuestos a los coleccionistas que compren obra. Y normalmente a los narcos no se les han encontrado grandes colecciones de arte porque ellos compran joyas, coches, animales y casas. La compra de arte es susceptible de involucrar dinero ilegal y su lavado si entiendo eso. Pero mientras las autoridades no imputen a una persona en concreto sobre el delito de blanqueo de capitales simplemente nos habrá dicho delito en las ferias de arte.  Aunque, ojo, no niego, ni dudo que pueda existir ese delito. 

Mercado del arte y precios. Vámonos acostumbrando.

El arte es un artículo de primera necesidad que solamente menos del 1% de la población del mundo se puede permitir. Un pequeño ex voto tipo mexicano (óleo / cobre, 30.5 x43.2 cm) de Mark Ryden se vendió el primer día de apertura de Zsona Maco 2024 en 300 mil dólares (5 100 000 pesos) Sin embargo soy de los que piensan el mercado del arte no es para lavar dinero como muchos críticos y el SAT sospechan. En Zsona Maco hace 5 años este mismo artista trajo un cuadro de un millón cien mil dólares. No supe si se vendió. Ni hablar amigos en el mercado del arte se habla de marmaja, lana, luz, efectivo, mosca, plata, varo, dinero... Vámonos acostumbrado.

Alcancía del Banco Serfin en la Feria Zsona MACO 2024

 La pieza nominada para la celebración de los 20 años de Zona Maco (yo mismo la nominé) . Por los fuertes problemas de migración de los últimos 10 años de gente de Asia, Centroamérica, el Caribe y África. La migración informal ha traído el encuentro con el diferente, con la otredad. Hoy que los podemos ver de frente en físico no los puedes nombrar. Cuando el Banco Serfin publicó esta alcancía se nos hacían tan simpáticos qué los ahorradores mexicanos tenían una en su casa y le introducían dinero. Cuando el Banco Serfin regalaba esta alcancía las palabras no estaban censuradas y la gente brincaba de gusto por tener uno en su casa y reír por lo chistoso que se ve. Incluso leían historietas del simpático Memín (héroe afrodesendiente mexicano ) y comían un pastelito Neg*rito Bimbo sabor a chocolate. Y en 2024 mucha gente siguen llegando de otros países y los residentes locales no saben que pensar. Lo bueno es que llegaron a un país de cultura católica acostumbrada a aceptar al distinto. Esta pieza podría ocupar la atención de Altermodernidad de Nicolás Bourriaud, Walter Mignolo y estudios decoloniales. También esta pieza es interesante porque no tiene autoría. Un caso para los artistas que trabajan con el tema del autor. El desaparecido Banco Serfin fue quien tenía los derechos pero ya no existe lo compraron bancos extranjeros y borraron esa marca del banco para siempre . Esta obra es huérfana. Esta escultura en la actualidad es políticamente incorrecta. Se hubiera ganado el premio Zona Maco 2024

Altermodernidad de Pascale Marthin Tayou. (Zsona Maco 2023 México)

 Una de las exposiciones curadas por Nicolás Bourriaud llamada Altermodernidad, en la Tate Triennal Britain 2009, es recordada porque pretendía amalgamar los valores de la modernidad y el arte postcolonial de artistas de la periferia. Después de la caída del bloque socialista de la URSS se desató una efervescencia por acaparar el dominio ideológico del libre mercado y la globalización cultural promovida por las metrópolis anglosajonas ganadoras. Justamente para dominar las finanzas mundiales, los mercados y la cultura. Así que, en esta tesitura, la Fundación Guggenheim interesada en este tema pagó esa curaduría a Nicolás Bourriaud atreves de una beca. Bourriaud sostenía que existe una igualdad entre los artistas del mundo ya que estos son profesionistas globales donde no existe la diferencia entre artista de países desarrollados de Europa y periféricos como por ejemplo: de Asia y África. Uno de Los artistas que fue convocado para la Altermodernidad fue Pascale Marthin Tayou (Camerún 1967). Desde hace dos años se viene presentando en Zsona Maco (en la trasnacional GalleriaContinua). Se exhiben entre otras obras, algunas parecidas a las que presentó en la Trienal de la Tate británica . Son esculturas hechas de vidrio transparente y sin color que representan gente africana con toda la significación racial que esto pudiera significar. Altermodernidad pretende rescatar lo mejor de la modernidad como proyecto vigente con sus valores de progreso, igualdad, etc. Además enunciar nuevas prácticas y un perfil nuevo de artista e integrar artistas periféricos poscoloniales para establecer una igualdad global. En esos años 2007-9 causó entusiasmo pero esta propuesta es inviable fuera de la City de Londres y Europa. Por otro lado los objetos de Altermodernidad no se basan en los parámetros del arte moderno, más bien, son objetos que se llenan de significación en el contexto de la curaduría para encajar en la teoría de Bourriaud bajo el beneplácito de la Fundación Guggenheim . Por supuesto que las obras de vidrio de Pascal Marthin son más interesantes por la reflexión crítica que él plantea tanto a la cultura de la periferia como al eurocentrismo. Esto encontré en Zsona Maco 2023. Tampoco recuerdo que en un recito oficial en México haya traído artistas de la Altermodern : Tate Triennal 2009. Aunque no nos perdemos de mucho. Pues lo que finalmente pasó con Altermodernidad fue que llevaron artistas de países la periferia postcolonial para vendérselos a coleccionistas europeos. Pero del arte contemporáneo local de (por ejemplo) Camerún no sabemos mucho porque no interesa mucho fuera de la Tate o sea de los circuitos internacionales de arte. Es posible que Pascale Marthin tenga mucho interés en Zsona Maco por los coleccionistas mexicanos. Los europeos en 2009 se interesaron en comprar arte contemporáneo de Camerún (o sea Pascale Marthin) para no sentirse eurocéntricos cuando ellos abogaban por la globalización. Pero con los conflictos geopoliticos actuales parece que la globalización económica va en picada.