ARTE SUBTERRANEO 1993.

   

                              Introducción

Queridos lectores en esta ocasión les comparto una entrevista que el gran periodista cultural Carlos Martínez Rentería* me hizo en agosto de 1993 a dos años de haber salido de la escuela de arte La Esmeralda, cuando iniciaba mi carrera profesional de pintor y usaba el seudónimo de Eliphas (Mauro Terán). Por lo cual le guardo una gran gratitud pues ya sentía que los artistas conceptualistas estaban compitiendo ferozmente por espacios, pero no pensé que nos quisieran arrancar la cabeza.   No pertenecí al círculo cercano de amigos de Carlos Martínez, pero un día tuve la oportunidad de platicar con él justo después de la celebración de los 100 años del surgimiento del   Estridentismo. Celebración que duró a finales del 2021 hasta 2022. Le hice notar cosas que al parecer no consideraba importantes como que fue divulgador de la fotografía sensual y su peculiar manera de ser de coleccionista de arte. Tenía una sección de fotografías de chicas en las páginas interiores de La revista Generación. Y, además, conservaba muchas piezas de obras originales que fueron publicadas en la portada. Esa tarde en la Cafetería la Juanita de avenida Insurgentes me comentó que tenía como 75 obras incluyendo una mía que sirvió para la portada del tema de la mariguana. Pero además tenía o había tenido de José Luis cuevas, Daniel Lezama entre otros artistas. Su archivo contiene cosas muy valiosas sin duda.   El día que me realizó la entrevista me pidió que fuera a las oficinas del periódico el Universal. Encontré al jovencísimo Carlos Martínez Rentería platicando con el director del suplemento cultural del periódico el Universal Paco Ignacio Taibo I. Como me vio nervioso me pidió que me sentara y me dijo que le interesaba todo aquello que fuera o pareciera contracultural. No sentí que fuera una entrevista más bien fue una brevísima platica.  Después me entere que permaneció poco tiempo trabajando para ese periódico quizá su estilo de entender el periodismo cultural chocó con la línea editorial del periódico. El contenido de la entrevista es la inquietud que tenía acerca del dibujo en esa época. La nota la pueden leer a continuación.   (Anexo algunos dibujos que se exhibieron en el metro Tacuba en la exposición La Muerte del Ratón)

 

                                         I

 

El arte subterráneo.

Eliphas expone en el metro Tacuba.

Por Carlos Martínez Rentería, reportero del Universa.

Personajes urbanos e ingenuidad; personajes urbanos como ratones comodines, que viven en la inmundicia, que se reproducen bárbaramente que viven y mueren en espera de una redención mesiánica; imágenes pasmadas en dibujos que durante este mes pulularán por las vitrinas de la estación metro Tacuba. Que mejor lugar que ese subterráneo espacio saturado de humanidad para exhibir los 80 dibujos a tinya china y metal sobre papel del pintor Eliphas, quien ha reunido aquí una selección de trabajos de la segunda mitad del año pasado a la fecha, bajo el título; “La muerte del ratón”.

Egresado de la Esmeralda y preocupado por darle un sustento teórico a su trabajo plástico, Eliphas explica así el contenido de la muestra que ahora presenta; Loa personajes que presento en la exposición se identifican por actuar como ratones, suelen ser elegantes, pero a la ves viven en la inmundicia, se reproducen bárbaramente, también son destructores y comodines. Para mi el ratón representa todo eso y el titulo de la exposición viene a propósito para proponer qué muera un poco

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El arte- Eliphas

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El ratón que todos llevamos dentro”. Este joven dibujante que ha colaborado ya en varios suplementos culturales define así su trabajo: “Soy un pintor que representa personajes urbanos con todo su dramatismo, su ingenuidad, son personajes reales como tu o como yo, que viven y mueren sumergidos en espera de redención mesiánica en cuyo inconsciente subyace el comportamiento de un ratón también urbano. Estos personajes han perdido la imaginería mítica, viven como ausentes en espera, pero también son capaces de gritar y rebelarse”.

También da su punto de vista sobre el dibujo y como se inserta dentro de esta técnica: “Creo que existen buenos dibujantes, entre los más populares están Magú, Helio Flores, Naranjo, Ahumada, Luis Fernando y muchos otros que realizan su trabajo con admirable maestría ya que tiene perfectamente sus estructuras lineales. Pero hay otros autores como Aceves Navarro y Javier Anzures que tienen otra actitud que rebasa el conocimiento de los elementos gráficos y que centran sus esfuerzos en reconstruirlos para hacer visible lo que no vemos, para sentir lo que no hemos sentido. Es una actitud comprometida, romántica y además primitiva en una era de la computrónica y sus impactos sociales; pero sin embargo es la más humana, la más mística que puede encerrar el dibujo y la pintura.

Eliphas reconoce tener varias influencias: “Claro que sí, puesto que para crear algo hay que partir de algo. He estudiado la compleja ironía de Dubuffet, la desgarradora línea de Orozco, la insólita combinación de contornos, tramados y manchas de Picasso, los infinitos ritmos que definen los volúmenes de las figuras de Durero; el movimiento y los altos contrastes que Rembrant maneja en sus escenas, la síntesis lineal que Posad da a sus figuras. Todo esto que admiro de los maestros mencionados aparece en mis dibujos y pinturas, pero también copio de natural, los códices El estudio que hago de los maestros mencionados como de los precolombinos y las historietas norteamericanas. El estudio que hago de los maestros mencionados como de los códices e historietas se centra no en la copia mecánica, sino en la observación visual de las imágenes y las sensaciones que producen”.

En su autodefinición reniega del postmodernismo y prefiere ubicarse como; “Un pintor antiguo que trabaja con los pies en la tierra convencido que en este país hay muchas cosas por comenzar hacer y otras por destruir, como los atavismos coloniales. Como me considero un pintor de proceso y en proceso con la característica de estar en constante búsqueda. Soy joven y aun no madura mi trabajo, es un peldaño más que se toma como referencia para las sucesivas temáticas que desempeñe”. Adelanta algunos proyectos: “Participaré en una exposición colectiva en Pachuca la próxima semana y en noviembre en la ciudad de Monterrey tendré otra exposición sobre los mitos. Ambos son pintura con formatos grandes de cuatro por dos metros. Sera una iconografía de los mitos urbanos: Kaliman, el Memín, la Rarotonga y luchadores entre otros. “También tengo el proyecto de un mural con dibujos realizados en muros gigantes con temáticas ecológicas, es un trabajo destinado a hacer mi tesis para titularme en La Esmeralda” 

*Carlos Martínez Rentería (Ciudad de México 1962-2022) Destacado periodista, escritor, poeta y editor. Fue fundador y editor de la Revista “Generación”. Un exponente y difundidor de la contracultura mexicana. Publico artículos en varios periódicos. Promovió la fotografía erótica. Vivió intensamente su propio estilo de periodismo cultural. Activista en favor de legalización de mariguana. Publico varios libros incluyendo su poesía. Fue coleccionista de arte.   

YANI PECANINS Las cosas sencillas 2025 Museo Carrillo Gil.

 

Hablar de Yani Pecanis nos remonta al periodo donde proliferaron los Grupos  1965-1983 (Germinal, El Taco de la Perra brava, Grupo de fotógrafos independientes, CLETA, Peyote y la Compañía, Grupo Marzo, Proceso Pentágono, No Grupo, Tepito Arte Acá, SUMA, Taller de Arte e Ideología, Mira, etc.) que fueron el primer intento de internacionalización del arte mexicano por medio del arte de protesta social inspirados en el Dada de 1916, el Estridentismo de 1921 , en la post-vanguardia (1940-1969) y en los movimientos político sociales del mundo e Hispanoamérica. Los Grupos se centraban en crear un arte de protesta social y cuestionar el arte tradicional. Cuestionaron la creación del oficio para crear objetos, se alejaron de la galería de cubo blanco y del objeto bidimensional. Se enfocaron a la búsqueda de distintas maneras de relacionarse con los objetos superando el típico vinculo perceptual de individuo con la obra.  Los grupos centraron su trabajo en lo referente a la investigación de nuevos medios, materiales y nuevos formatos. Realizaron trabajos y obras de manera interdisciplinaria.  Se involucraron en proponer experiencias con la gente. La apropiación de lenguaje popular y romper con el monopolio de la percepción visualidad para apreciar   los objetos. Uso de materiales y soportes no tradicionales. La utilización de los distintos cinco sentidos del cuerpo. Nuevas maneras de repolitización en los barrios, búsqueda de una amplia comunicación con el uso de textos y lenguaje, fotografías, papel, objetos cotidianos, sonidos. Proponían la desvinculación institucional y uso de espacios públicos.

En esa época proliferó el arte correo en el mundo (intercambio de obras de artistas enviados por correo), la factura de libros de artista y libro objetos donde se usó el mimeógrafo, fotocopias, sellos de goma, Collage, esténcil, fotografías. Se hacían tirajes cortos, manufacturas artesanales, y se creó una red de intercambio internacional y en el país.  México cuenta con varios representantes ya se en colectivos o individual como los grupos mencionados o Ulises Carreón, Felipe Ehremberg, etc.  En 1977 apareció Cocina Ediciones Mimeografías  creada por  Yani Pecanins, Walter Dohener y Gabriel Macotela donde hacían libros, portafolios, cuadernos, revistas artesanales. Para 1984 aparece Archivero fundada por Yani Pecanins. Gabriel Macotela y Armando Saenz. Exponen Paseo de Gracia en Museo Carrillo Gil en 2013 . En 2023 el MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo) se exhiben obras del sello El Archivero y colección de libro-objeto de Yanis Pecanins en el marco de la gran exposición “Genealogías y disidencias”.  Actualmente de exhibe en el Museo Carrillo Gil. Yani Pecanins Las cosas sencillas.  Con la curaduría de Alfonso Ramos Mena y ayudantes.

Yani Pecanins (México1957-2019) Artista, curadora, galerista. Creadora de libro de artista, instalaciones, arte objetos.  Obra destacada fue Un viaje en Zeppelin, 1988, mixta. Tiraje 100, 20x26x3.6cm. Su trabajo forma parte de Nacional Museum of Womanin the Arts en Washington DC. y en The Walker Art Center de Mienneapolis EU.

Con la aparición del Dada y Marcel Duchamp las cosas nunca volvieron hacer lo mismo. Después de 50 años de la aparición del Dada   en México Alejandro Jodorsky destruyó un piano en la televisión (1967) y él mismo narra como convocaba a otros artistas para presentar sus acciones en la Academia de San Carlos en la segunda mitad de 196Os. Octavio Paz en colaboración con Vicente Rojo crearon el libro objeto Marcel Duchamp o el castillo de la pureza. Inspirado en la maleta de portátil de Duchamp en 1968. En los años 1970s los Grupos pusieron en práctica los preceptos de los campos del arte conceptual en la realidad local, sólo el regresó de la pintura en los 1980´s, con el neomexicanísimo , retomó el protagonismo para después dar paso a los conceptualismos y neo-conceptualismos   con un gran  apoyo institucional y con nuevos actores en el arte con la entrada del Tratado de Libre Comercio para América del Norte TLCAN en 1994.

Yani Pecanins pertenece a esa generación de artistas y agentes culturales que protagonizó los cambios en México en los años 70 y 80´s. De manera consistente supo desarrollar su obrar con las corrientes que caracterizaron su época y supo darle un sello personal impregnando su propia historia a sus objetos, libros de autor y arte objetos.  No te puedes perder Yani Pecanins Las Cosas sencillas. Hasta del 19 de octubre 2025 en el MACG. Museo de Arte Contemporáneo  Carrilo Gil. Av. Revolución 1608 , San Ángel. Ciudad de México.

(Yo sólo conocí como espectador al Centro Libre de Experimentación Teatral y Artística (CLETA) se presentaba en el teatro al aire libre de la Casa del Lago de Chapultepec. Apoyaban movimientos obreros, huelgas de trabajadores, campesinos y grupos de indígenas. Establecían vínculos con movimientos de otros países como El Salvador, Nicaragua, Chile, Argentina.  Sus puestas en escena eran muy divertidas pero también muy impregnadas de socialismo.)  

Tina Girouard SIGN-IN.

 

Obras con una estética del Postminimalismo (1965-1980)

 En esta  tendencia los artistas están  influenciada por el minimalismo, pero intentan no solo usar elementos característicos del mismo sino llevarlo al extremo. Las obras post minimalistas usan objetos simples, de uso cotidiano, a veces usan composiciones formales pero sus recursos son muy simples. Sus técnicas son collage, dibujo, pintura, video, textil, performance, escultura, instalaciones.

El Museo Tamayo de la ciudad de México presenta la exposición Tina Girouard SIGN-IN. Podríamos ubicar a Tina Girouard (EU 1946-2020) dentro de un grupo de artistas mujeres de distintas generaciones, generalmente estadounidenses, pero que en su vida activa realizaron obra postminimalista. Louis Bourgeois (Francia 1911-EU 2010), Agnes Martín (Canada1912- EU 2004). Michelle Stuart (EU 1933), Lynda Benglis (EU 1941), Yayoi Kusama (Japon 1929) El termino Postminimalismo fue acuñado  por en critico e historiador estadounidense Rober Pincus-Wintin (EU1935-2018) en 1971.

Para mí fue más fácil aproximarme a la obra de Tina Girouard partiendo de la comprensión que su obra esta dentro del marco del postminimalismo. De esa manera entiendo la simpleza de sus dibujos, los recursos kitsch de sus textiles con lentejuela, etc. Entiendo que hay más que descubrir en sus obras desde otros ángulos, sin embargo, en una primera apreciación de esa obra establezco una relación con los objetos más emotiva y perceptual que discursiva y conceptual. Cuando vuelva ir al museo me enfocaré en su discurso conceptual esta vez intente disfrutar solamente de los objetos y el espacio museístico. Tina Girouard SIGN-IN se presenta hasta el 14 de septiembre 2025 en Museo Tamayo.

Constantemente los museos de arte contemporáneo dicen que son espacios abiertos a diversidad de ideas y culturas. Solamente recuerdo una exposición de arte contemporáneo chino en el Colegio de San Idelfonso (UNAM)  en 2016. Pero después de eso no se ha visto más arte contemporáneo chino.  Ni arte contemporáneo   ruso en ningún museo mexicano. ¿Sera porque no hay empresas patrocinadoras que quieran difundir un arte de otras áreas geopolíticas?  Por supuesto que los filántropos de Bloomberg, Tiffany & company tienen su propia agenda  y no les importa difundir el arte contemporáneo chino ni ruso. Pero podría haber otros patrocinadores como BYD que podrían estar interesados en participar en la difusión del arte contemporáneo  de esas áreas del mundo pero al parecer el gobierno de México no contempla esto como política cultural.

 

 

LA COPIA Y LA NECESIDAD DE LOS OBJETOS PARA INTERCONECTAR IDEAS

En la Esmeralda (Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado) en la época en la que yo asistí aprendí a desentrañar el posible misterio de las imágenes al rastrear la construcción de un cuadro emulando los componentes visuales por medio de un ejercicio que llaman sencillamente copia. Esto lo hacía por curiosidad desde antes de la escuela de arte, como muchos cuando quieren aprender pintura. Después como tarea escolar y por diversión. Aunque también por profesionalismo para mantener el oficio de pintor pues ver y estudiar imágenes ya sean de pintura, o de otro tipo, mantiene alerta los sentidos para leer las ideas y percibir de manera personal las imágenes ya sean del pasado o presentes. Estos días estoy moviendo y tirando algunas cosas donde vivo y salieron algunos trabajos que hace tiempo había hecho y que ahora me hacen reflexionar acerca del ejercicio de copiar. Aunque a veces me quedan unos mejor que otros porque el objetivo no es hacer la calca. Por supuesto que no me ha interesado ser copista tan sólo aproximarme a algunas pinturas o maestros. Me sorprende que, el arte de la actualidad, (tendencias post- neo-conceptualismos con 35 años de existir, arte relacional 20 años. Arte interdisciplina, diversidad e inclusión, arte digital, arte activista, estilos históricos, obras decoloniales, obras poscoloniales, etc.)  existan tantas contradicciones en las prácticas como la apropiación y la copia por los mismos fines que se proponen los artistas hacer, como, por ejemplo:  cuando se someten a la reflexión política, al campo experimental, a la autocrítica, a los modos de pensar, a la extensión social, a la critica política, a las relaciones de poder, a la ilustración de tesis y teorías, al plagio y reflexiones de autoría. Unas de las contradicciones es que muchos artistas al buscar la prevalencia de las ideas con mapeos, textos, estadísticas, estudios sociales, apropiación de otras obras, modelos experimentales, uso de estilos históricos, copias o usan el lenguaje, pero a pesar de eso requieren de la materia para concretizar sus ideas con video, performance o instalaciones. Ya sea tomando objetos prefabricados, encargar a alguien más o participar en la elaboración de objetos con procesos industriales o artesanales de los cuales muchos de ellos han rechazado y calificado de obsoletos.    

Considero que seguimos viviendo en el mundo de los objetos ya sean de producción masiva o de autor. La mayoría de los artistas requieren el uso o creación de objetos para manifestar sus ideas.  Me formé como pintor en la segunda mitad de los 1980s y si, si le rindo culto a los objetos no por ser cursis o sagrados, ni vulgares, sofisticados o raros sino por la relación sensible de quienes los usan y consumen, es decir, por   como las personas mantienen un apego a ciertos objetos y conviven con ellos ya sea por sus estilos, formas o representación simbólica.  Cuando un grupo consume y prefiere determinados objetos por sus características comparten un sueño colectivo ya sea, este, producto de una ingeniería social por un poder ajeno o por que representa un conjunto de intereses de ese grupo social que le da pertenecía y diferenciación genuina. Por supuesto que la forma del objeto es lo relevante, las construcciones conceptuales con mucha frecuencia tienen problemas de comunicación ya sea en los aficionados a este tipo de arte o con otros públicos.  Cuando una obra de arte entra en el terreno de la masivo, es decir que mucha gente lo consume, tiene implicación política y esta es una de las razones por lo que continúan funcionando más los objetos artísticos o diseños que las representaciones del arte conceptual porque, estas últimas, con mucha frecuencia presentan lectura confusa o difícil ya que por lo general dependen de textos que los expliquen por eso es más lenta su comprensión. Y la imagen cualquiera que sea su soporte puede provocar múltiples lecturas más rápido y en esta época de vida acelerada podemos decir que es más efectiva.   

LA BUSQUEDA GRÁFICA DE MELQUIADES GONZÁLEZ

 

Melquiades González Becerra (Ciudad de México 1950) pertenece a la última generación de artistas gráficos y plásticos que retomaron la inercia del arte generado en las vanguardias históricas, como el surrealismo, inspiradas en la exploración del interior desde el punto de vista del inconsciente del psicoanalís y las filosofías orientales como el budismo. La práctica del dibujo espontaneo cargado de movimientos automáticos tenía como objetivo adentrarse a una libertad personal única y genuina. Esta premisa es el objetivo que ha guiado a los artistas como Melquiades Gonzáles. Basan su trabajo en buscar plasmar en la obra una experiencia verdadera siempre que no se parezca a otros artistas. A menudo los artistas que retoman las actitudes de los artistas modernos, como en este caso, se les considera igual de paranoicos. Lejos de ser un mal calificativo es un alago porque implica que el artista es un obsesivo por su trabajo para encontrar formas gráficas que lo reflejen en su esencia interior. Es precisamente esta actitud lo que hace excitante su trabajo. Sin embargo, al traducir esos ímpetus creativos pasan por el tamiz de la estructura formal como pasó con Jackson Pollock, Antonio Tápies, Antonio Saura, Dubuffet, Mark Rothko, etc. Estos artistas están en la línea que nutre la obra del maestro Melquiades González. Sin embargo, Gonzáles abreva no solo con el informalismo, el tachismo o el goteo expresionismo abstracto, sino que desliza veladamente formas y siluetas que nos remiten a estilos primitivistas o surrealistas. Desde luego si tienes que hacer un esfuerzo visual para ver los grabados, si quieres traspasar al mundo del maestro Melquiades. Pero tampoco te aflijas tan solo contempla la danza de líneas y formas de sus grabados y diviértete. La propuesta gráfica del maestro Melquiades González fue concebida durante las décadas 1970s y 80s. Exposición “La búsqueda gráfica de Melquiades González” curada por José María Espinoza Yllades. Museo de la Ciudad de México. Pino Suarez no. 30, Centro Histórico. Todos Juntos Podemos. Alumbrando los instintos.

RIETE DE LAS OBRAS DE ARTE.

 

En la exposición individual ”Luzia” del artista brasileño Paulo Nazaretlh (1977)  en el Museo Tamayo llama la atención la obra  *“Mama África Ginga” 2019. Productos de Genocidio y jabón negro. (Resina, objetos y madera)”.  Consiste en un conjunto de piezas de resina que encapsulan productos de consumo popular  envasados con logotipo de publicidad.   

Se lee en la ficha oficial del Museo Tamayo  lo siguiente:

“En este cuerpo de obra, Nazareth investiga marcas que movilizan estereotipos raciales. Apropiándose de nombres y elementos de cultura indígena y afro-diaspóricas como parte de un proyecto continuo y tras temporal de mercantilización. Mediante el intento de congelar y solidificar estos productos en el tiempo, el artista también busca frenar su reproductibilidad, considerando que la acumulación de capital de las organizaciones globales contemporáneas se remonta a la explotación colonial del cuerpo esclavizado y de las tierras nativas, y el genocidio de los pueblos indígenas. “

Las marcas de los productos comestibles encapsulados en resina son desconocidos en México, pero se comprende la relación que tiene con el texto de la ficha porque tienen nombre, logotipos o temas supuestamente  coloniales en sus etiquetas como, por ejemplo:  Farinha de Trigo Colonial. Cerveza 1500, Jabón black and White. Arroz Sepé Blanco, Arroz chileno o Café Apache con logotipos de personajes de indios.

 La ficha enuncia la propuesta de lectura de la obra del artista, pero no debemos olvidar que cuando una obra se hace pública se expone a otras lecturas e interpretaciones de los espectadores.  La obra dentro del contexto establecido por la visión del artista, del curador y del museo es susceptible ser apreciada de otras maneras.  De no ser así, pareciera, que se ha acabado la característica polisémica de la obra de arte. Dicho lo cual paso a expresar mis consideraciones de la obra “Mamá Africa Ginga”(2019)

 Como está planteado su argumento en la ficha no habría objeción alguna en el contexto de Brasil. Pero imaginemos que productos que existen con marcas y logotipos similares en otros contextos como el mexicano y algunos otros países de Hispanoamérica. Por supuesto tanto en Brasil como en otros países de Iberoamérica habría que ponderar la lectura que se hace de los productos de consumo popular tanto por su publicidad creativa como su relación con el consumidor.  Después de todo este último establece una relación con el producto que compra no solo por su calidad, si no, en muchas ocasiones, por una relación donde está vinculado lo emocional y por sus características identitarias.

A continuación, haremos un parangón de productos que usan en sus logotipos que supuestamente serian ofensivos a los mexicanos de origen indígena, afro-descendientes y otros grupos.   En México encontramos marcas nacionales** como Triciclos Apache (1956), Nito Bimbo (antes Negrito Bimbo 1957), Cerveza Indio (1893), Salsa Huichol (1949), Pan Tía Rosa (1974), Pelón Pelo rico (1985), Pale locas (1984), Charrito Pemex (1948), Detergente Blanca Nieves (1965), Detergente Roma (1920) que existían mucho antes de la Ley Federal de Protección del Patrimonio Cultural de los Pueblos y Comunidades Indígenas y Afrodescendientes de 2022.  Algunas empresas fueran compradas por trasnacionales como Cervecería Cuauhtémoc por Heineken o Pelón Pelo Rico por Hershey Company. Algunas empresas también existían antes de la aprobación de los estudios decoloniales. Según la ficha de la obra de Paulo Nazareth él busca frenar la reproductibilidad de organizaciones globales que se remontan a la explotación colonial de cuerpos esclavizados de las tierras nativas y genocidio.  De acuerdo a la historia empresarial de México la cervecería Cuauhtémoc-Moctezuma fue fundada por inversionistas mexicanos y alemanes en 1890 en Monterrey y crearon la cerveza Cuauhtémoc en 1893 que más tarde se llamaría Cerveza Indio. En el periodo neoliberal 1990-2018 fue comprada por la compañía holandés Heineken. La salsa Huichol, los detergentes Blanca Nieves y Roma, Triciclos Apache, entre otras son marcas que sobrevivieron a la mortalidad de empresas mexicanas después de firmar el Tratado de Libre Comercio para América del Norte (TLCAN 1994). Que no fue libre y se firmó entre economías asimétricas desfavorable para México.  Las marcas como Triciclos Apache, Detergente Blanca Nieves, Salsa Huichol, La editorial Vid que publicaba a Memim Pinguín (1943, etcétera, surgieron en el periodo de desarrollo económico 1940-1980 y contaban con gran popularidad y aprecio de la gente.  ¿En qué momento la marca Triciclos Apache, Salsa Huichol, Nito o Cerveza Indio contribuyo a los estereotipos raciales cuando no hacían otra cosa que reflejar a su público consumidor quienes veían en los productos virtudes y empatía?  ¿Cuál sería la relación de esas marcas empresariales con la explotación colonial de cuerpos esclavizados y de las tierras nativas y del genocidio de los pueblos indígenas? ¿Sobre todo, como sucedió eso que dicen cuando las marcas regionales contaban con la preferencia y la simpatía de los consumidores que los consumían y consumen por su utilidad? Posiblemente Heineken (1864) pudo haber hecho eso en el sur de África col las colonias holandesas. Las marcas mexicanas como Triciclos Apache, Negrito Bimbo, Salsa Huichol, etcétera, surgieron en el Periodo del Desarrollo económico (1940-1986) cuando se crecía al 6% del PIB sobre todo entre los años 1940 y 1960. Ese periodo de desarrollo económico fue abandonado en 1988. A manera de conclusión consideramos que hacen falta más empresas y el uso de logotipos que usen valores y empatías de los públicos a los que se dirigen dentro de los grupos de personas que integran el país.  La cara sonriente de un niño apache mostrando un triciclo crea una idea de alegría infantil. Si se interesan por los acontecimientos históricos, étnicos o antropológicos ya verán un documental o leerán libros de investigadores de los apaches que habitan el norte de México. No es muy brillante la idea de sumergirse en la queja y la victimización dando pie a que los lideres de grupos obtengan prebendas del Estado. O de fundaciones privadas que también sacan lucro de ello. Si somos personas que por nuestras características somos considerados indios, mestizos o afro-descendientes podemos ver las ventajas y desventajas de ser como somos y amarnos por encima de todo.   Ya es el momento de parar las quejas por imágenes y narrativas que eluden nuestras características físicas o de comportamiento porque estamos por encima de cualquier logotipo de un detergente o cerveza. Estamos más allá de todo eso porque tenemos sentido del humor y podemos demostrar nuestra fortaleza del alma y amarnos como somos. Ahora que si sientes miedo por el petate del muerto aquí nos pasamos por el ovum a los estereotipos de las producciones de entretenimiento anglosajonas con personajes como Speedy González.  Y también los estereotipos de los mexicanos malos de las películas gringas. Tenemos la fortaleza para no creernos esas leyendas negras caricaturescas que solo dan risa. Somos luz creativa.       

 

*Mama África Ginga 2019.

                                               **Algunas marcas de compañías  nacionales o de origen mexicano. 

ARTE MATERIAL 11a. EDICIÓN 2025 CDMX.

Arte Material 11a. Del 6 al 9 de febrero 2025. En Expo Reforma Av. Morelos 67, Juárez, Cuauhtémoc, 06600 Ciudad de México. El 56% de las galerías que se presentan son de Hispanoamérica. Destaca la presencia del Centro Roberto Garza Sada de Arte, Arquitectura y Diseño quien presentará en patrocinio instalaciones de cinco artistas emergentes de la Universidad de Monterrey. La Feria de Arte Material organiza eventos que crean contexto, comercio y comunidad en torno al arte contemporáneo. Fundada en 2014, tiene un enfoque internacional y su versión enfocada a lo nacional es Estación Material que se lleva a cabo en Guadalajara, Jalisco México. Que tiene un programa incubador para organizaciones emergentes de artes en México. El equipo de Feria Arte Material esta integrado por Brett W. Schultz, Isa Castilla, Marcos Ruiz, Adrián de Banville, Ana Barrón, Miriam Torres, Cheryl Santos, Paula Miranda, Lorena Peña Brito, Muchelangelo Miccolis, Enrique Aparicio, Isabel Reyes, Ariadna Cuevas. De acuerdo al nuevo panorama geo-económico desde hace 10 años donde nuevos países han emergido como potencias con presencia cultural, económica y política. Es importante establecer vínculos desde el mercado de arte para abrir espacio para presentar obra a nuevos coleccionistas de Asia más allá de Japón. La pregunta fue ¿qué están haciendo para atraer galerías de Hong Kong, Shanghai, Macao o Pekin? ¿Y llevar galerías a esas ciudades? Después de todo China tiene el 29% del mercado mundial y son los nuevos ricos. Es palpable el turismo de trabajo y de placer de chinos menores de 45 años en México. Ellos mismos, reconoce Adrián de Banville encargado de proyecto VIP de Arte Material, que están trabajando para establecer vínculos para atraer nuevas oportunidades de comercio de arte en Asia léase China. En esta ocasión ya se vincularon con Singapur. Alumbrado los instintos ® Todos juntos podemos. Entradas generales de viernes a Domingo. En línea: $250 MXN +cargos. Taquilla :$300. MXN. Estudiantes, maestros y tercera edad :$150 MXN con credencial. Niños menores de 12 años gratis acompañados de un adulto. Gran inauguración nocturna (Opening Night) jueves 6 de febrero, 5-8pm. En línea $400 MXN +cargos. En Taquilla $500 MXN.